La Iglesia de Nuestra Señora del Rosario se transformó en un escenario cargado de simbolismo gracias a la cuidada dirección artística de Esteban Bernal, que envolvió el templo en una atmósfera sobrecogedora.

El olor a incienso, el humo suspendido en el aire, la iluminación tenue, las telas rojas colgando del altar y la sobriedad de la silla de anea, de la que cuelga una fina mantilla, junto a las velas que rodean todo el espacio, componían una escenografía de enorme delicadeza. La mantilla, los silencios y el recogimiento del público terminaron de construir un ambiente íntimo y solemne, donde cada cante adquiría una dimensión casi espiritual.

En este contexto único, los finalistas ofrecieron actuaciones de gran nivel, demostrando la vigencia y la profundidad de una tradición que forma parte de la identidad de La Unión y que ha consolidado a este certamen como el más importante de España en su género.

Tras el fallo del jurado, el XXXIII Certamen Nacional de Saetas y Cantes Mineros de Pasión proclamó a sus dos ganadores, uno en cada modalidad. Raquel Salas obtuvo el Primer Premio de Saetas, Trofeo Isabel Díaz La Levantina, mientras que José Antonio Romero ‘El Perrito’ logró el Primer Premio de Cantes Mineros de Pasión ‘Ciudad de La Unión’, Trofeo Esteban Bernal.

«La mantilla, los silencios y el recogimiento del público terminaron de construir un ambiente íntimo y solemne, donde cada cante adquiría una dimensión casi espiritual»

XXXIII Certamen Nacional de Saetas y Cantes Mineros de Pasión

• Primer Premio de Saetas – Trofeo Isabel Díaz La Levantina: Raquel Salas
• Segundo Premio de Saetas: Susana Romero
• Primer Premio de Cantes Mineros de Pasión Trofeo Esteban Bernal “Ciudad de La Unión”: José Antonio Romero “El Perrito”
• Segundo Premio de Cantes Mineros de Pasión: Isabel María Rico
• Premio especial por su colaboración, grandeza y altruismo con el certamen “Cristo de los Mineros” a Onésimo Hernández

El certamen volvió a evidenciar la unión única entre flamenco y Semana Santa que solo se vive en La Unión.

Como marca la tradición, ambos ganadores participan en la procesión del Cristo de los Mineros, interpretando sus cantes en enclaves tan emblemáticos como la calle Numancia, calle Quevedo, el Ayuntamiento y la Plaza de la Iglesia, llevando el cante jondo al corazón de una de las celebraciones más singulares del país.

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No conozco a nadie que tenga callos en los nuillos de hacer compás. No hay fiesta que se le resista al palaciego ni flamenco de respeto que no conozca. Lo sabe to. Y en las tablas, no solo canta lo que sabe, sino que sabe lo que canta. Deja plantao al que menos se espera. Viene revolucionando desde abajo, con 27 años, poniendo en su tragaero el renuevo de cantes rancios. No deja a nadie indiferente. Y si no lo conocen, conózcanlo. Que después dicen por ahí que no hay nadie que endiñe repelucos y este es uno.

Aunque sea mi amigo, no me duele en prenda ni se me va a enfadá, porque él sabe istinguí y lo que hizo, porque yo diga que pinchó en la serrana. Fue al mecer los bajos. No porque no sepa cultivarlos. Se le encasquetó la carraspera y hasta que no dio dos buches y le echó reaños al asunto, no remató como hay que hacerlo y en condiciones con el cambio de María Borrico. ¡Ea! Ya puse la pega. Porque el resto, de menos a más, fue pa sacarlo a hombros.

«Donde pegó puñalaítas certeras fue en la seguiriya, que quedó pa el recuerdo del público de La Bambera. Se aferró a la negrura de un lamento, lo paseó por todos los jipíos y fatiguitas dobles hasta cerrar con un macho de lucha contra la discriminación de los gitanos»

Pero el recital había comenzado con el pregón de los caramelos de Macandé mientras bajaba las escaleras, inundando la peña con la campana gorda que lleva en su nuez, calentando el asunto. Siguió por malagueñas, meloso pero rotundo, bien templao, jugando con las sensibilidades al rizar los melismas que pedían los tercios. Menos afortunado, me recordó a Miguel Vargas en la serrana, dedicada a Juani de la Algaba, omnipresente. Y comenzó a colocar guirnaldas de colores en los tientos tangos, acordándose de Juan Peña y de Gaspar de Utrera, pegando pellizcos por tos laos.

La guitarra de Diego Reyes le dibujó las sendas por las que derramarse, sonando gitano y respondiendo a los envites de Juanelo, recogiéndolo en su sitio, en cada momento. Así lo llevó en brazos en el taranto de José de la Tomasa y luego aclamó Juan entre apretones el Canalla, Manuel Rodríguez de Persecución, alegato de los calorrós, echando los restos con empaque.

Más largo que alto, este joven, cuajao de vivencias, supo moverse a su antojo y con aplomo de solemnidad. La soleá la tienen en el vídeo, no me paro en los estilos, porque los reinterpreta según Lebrija y se lleva a su terreno lo demás. Juzguen ustedes. A mí me lastima. Aunque donde pegó puñalaítas certeras fue también en la seguiriya, que quedó pa el recuerdo del público de La Bambera, que se apuntó el tanto de invitar a Juanelo a su entarimao pa rasgarse las vestiduras. Se aferró a la negrura de un lamento, lo paseó por todos los jipíos y fatiguitas dobles –también evocando cadencias lebrijanas de los ecos del Chacho Bastián– hasta cerrar con un macho de lucha contra la discriminación de los gitanos. Por bulerías volvió a formar el taco, transitando de nuevo por Utrera y brillando en el cuplé Corazón loco. Quiso acabar por toná, a gañafones limpios. Pero siguió mientras este crítico tuvo que irse dándose tortazos en la cara por perderme otra mijita. Y me cuentan que después dio otro recital a nuillos en la barra, borracho de jondura, flamenco como ninguno.

Que se entere la gente: Juanelo es mucho Juanelo. Creo que tardáis en llamarlo. No digo más.

Ficha artística

Recital de cante de Juanelo
Peña Flamenca La Bambera, Sevilla
21 de marzo de 2026
Cante: Juanelo
Guitarra: Diego Reyes

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«La Repompilla tocó la cima por soleá. Arropá por los gañafones calientes del cante, transmutó su alma y se hizo pena. Paró las manillas de los relojes y la tensión se pudo cortar con el filo de una navaja. Los paseos de quintales, el taconazo ahí, donde cabe, el gesto sobrecogío… y así surgió el baile, como soplado por los pies de Undibé»

La rondeña dulce en la sonanta de Rubén Romero es una caricia que se vuelve airosa con el compás de El Petete, El Galli y Miguel Lavi, que subieron su soniquete pa acompañarlo al final. Así principió la noche, cosiéndole después las alegrías y bulerías de Cádiz de las gargantas adoquinás de Lavi y El Galli en las que empujaron a El Petete pa que se diera la pataíta. ¡Ole! Luego llegó solemne el baile por taranto, remanso de hieratismo en la compostura y sus parás, elegancia, contención… Un braceo pintao a brochazos finos, los palillos con los dedos, el silencio justo. Los tangos fueron una delicia al bamboleo de las caderas de esta gitana. El perreo de los flamencos. Que se quiten las tonterías. Soberbia la vi al bajar las escaleras hacia el camerino, donde hizo compás a punta y tacón en el cuadrao de un sello, alzando sus brazos, lanzando candela con sus ojos, moviendo las manos en el trance de la magia con rajo. Por bulerías la formaron El Galli y Lavi, sembraos de son, rajando los tercios, mascando el cante y pegando bocaítos por momentos. Pero La Repompilla tocó la cima por soleá. Arropá por los gañafones calientes del cante, transmutó su alma y se hizo pena. Paró las manillas de los relojes y la tensión se pudo cortar con el filo de una navaja. Los paseos de quintales, el taconazo ahí, donde cabe, el gesto sobrecogío… y así surgió el baile, como soplado por los pies de Undibé, regados por la incorporeidad de los sentires gitanos… Bailó pa reventá. Eso mismo. Se despojó de artificios. Y de los tacones, pa contestarle al arrojo de La Andonda en la soleá del Lavi y los llantos resquebrajaos de El Galli. Y pa ellos solos el fin de fiesta. Con la fabulosa patá de El Petete y cargaos de exaltación y jondura, cerraron la juerga de la gitanería del baile mamao.

Ficha artística
Recital de baile de La Repompilla
Peña Flamenca Torres Macarena, Sevilla
27 de marzo de 2026
Baile: La Repompilla
Cante: David El Galli y Miguel Lavi
Guitarra: Rubén Romero
Palmas: El Petete

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El corazón conceptual del doble álbum In illo tempore reside en una idea clara: la tradición como energía viva. Una visión que resuena con la frase que acompaña la portada del disco, atribuida a Gustav Mahler: «La tradición no es la adoración de las cenizas, sino la preservación del fuego».

En palabras de la propia artista, «la expresión in illo tempore, que proviene del latín, hace referencia –en un tono solemne, trascendental y casi místico– a tiempos pretéritos, a una época remota que se recuerda con nostalgia y pleitesía. Simboliza el culto al pasado y retrata una mirada a través de una ventana hacia un recuerdo idílico y romántico del tiempo original».

Este nuevo proyecto de Mayte Martín no es solo discográfico: es espiritual, estético y vital. In illo tempore nace desde la conciencia de quien ha esperado el momento exacto para decir lo que debía ser dicho.

«Seguro que había una causa mística que escapa a mi razón en este silencio discográfico de un cuarto de siglo en lo que a flamenco se refiere. Algo no estuvo, hasta ahora, en su preciso lugar. Tampoco había llegado, hasta hoy, ese punto de madurez que diese sentido a un nuevo registro de mi sentir y hacer».

«Es un trabajo que no mira al pasado con nostalgia estéril, sino con reverencia activa. ‘In illo tempore’ nace de este respeto religioso que profeso al flamenco que me parió y a quienes han hecho de él ese tesoro que venero. Honrarlo es lo que quiero»

Puro y entreverao

El álbum se articula en dos volúmenes claramente diferenciados: Puro y Entreverao. Dos universos que dialogan desde la raíz.

En Puro, Mayte Martín ofrece un flamenco esencial, sin concesiones: «Puro es eso: Puro. Un flamenco sin vestigios que atesora grandes y algunas relegadas obras del flamenco antiguo, conservándolo y respetándolo en fondo y forma».

Un trabajo que reivindica la pureza como ética y estética, acompañado por el guitarrista José Gálvez, heredero de la tradición jerezana, con quien comparte escenario desde 2022.

Por su parte, Entreverao propone una convivencia orgánica entre sonoridades: «Todo lo que suena en Entreverao es el fruto de la convivencia en mí de sones antiguos de naturaleza diversa que han configurado mis intereses musicales desde el principio de mi existencia».

Lejos de cualquier intención de modernizar, el objetivo es otro: «No hubo intención de modernizarlos, sino de revitalizarlos y prolongarles la vida en esta era que a mí me ha tocado vivir».

Es la preservación del fuego la que recorre cada surco de este nuevo trabajo. «De ese culto al pasado nace mi impulso transmisor de esencia, ese tesoro que sobrevive a los tiempos y a las modas. Eso que, más allá de estéticas y formas, se queda flotando en el aire por los siglos de los siglos».

La dimensión de ‘In illo tempore’

El reconocido periodista y especialista José María Velázquez-Gaztelu subraya la dimensión de este regreso discográfico de Mayte Martín al flamenco: «Cantaora, cantante, compositora y guitarrista, para Mayte Martín ‘el flamenco es mi origen, no mi yugo’. Y con esa premisa como lema, penetra en los distintos géneros con una arrolladora personalidad artística». Y añade: «Mayte rememora y activa los recursos de la evocación. Mira dentro de sí para hallar en silencio la huella de las voces de personajes ocultos en el manto de la historia».

In illo tempore es, en definitiva, una obra de madurez absoluta, donde convergen experiencia, conocimiento y verdad artística. «Los discos no son para mí una colección de cantes, sino un documento que recoge una etapa de vida que llega a su punto álgido», comenta Mayte. «Es un trabajo que no mira al pasado con nostalgia estéril, sino con reverencia activa. In illo tempore nace de este respeto religioso que profeso al flamenco que me parió y a quienes han hecho de él ese tesoro que venero. Honrarlo es lo que quiero», concluye la artista.

Mayte Martín no solo regresa al flamenco en su forma discográfica: trasciende y lo comparte en directo:

• Martes 7 de abril – Palau de la Música, Barcelona
• Domingo 19 de abril – Teatro Cervantes, Málaga

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Malagueño de nacimiento y granadino de adopción, Alfredo Tejada es un cantaor de larga trayectoria que siempre busca nuevos caminos para su arte. Ha acompañado a figuras como La Lupi, Mario Maya, Marco Flores, Blanca del Rey, Antonio Canales, El Farru , Eva La Yerbabuena u Olga Pericet, pero sin descuidar nunca sus proyectos personales. En su quinto disco, Verso roto, explora un territorio que no había abordado hasta ahora.   

“Mi idea era recuperar el cuplé”, confiesa el artista. “Lógicamente, no copiándolo tal como lo hacían Bambino, Fernanda o, por ejemplo, La Repompa. Yo compartí escenario muchos años con Rafaela, hermana de La Repompa, y le escuché muchos cuplés. Siempre tuve mucha ilusión por hacer un disco de este género, pero no quería imitar lo que ellas hicieron, sino llevarlo al concepto musical que yo entiendo y con la manera en que me gusta crear”.

Un total de nueve temas componen este álbum en el que el público encontrará desde una composición de Mercedes Sosa al célebre Ojalá que te mueras, de Cheo Feliciano, por bulerías. “También hay un par de temas inéditos míos adaptados al cuplé, una composición del argentino Roberto Livi, que cantaba mucho Dyango y que yo escuché a Rafael, el de La Repompa; Salgamos esta noche, otro cuplé por bulerías. Además, recuperé unos tangos de un grupo de Huelva llamado Sendero, un grupo rociero que me gustaba mucho”, enumera. “Para completar el disco, quise incluir dos temas nuevos que me hizo Gonzalo Grau, compositor venezolano de La Clave Secreta, entre ellos La pared, que son homenajes a Bambino”.

«Eso es lo más complicado: hacer algo que ya se ha escuchado y conseguir que suene a ti, marcar la diferencia y tener un sello propio. Hay temas muy versionados, como ‘La pared’ o ‘Se nos rompió el amor’, y ahí la clave es no parecerte a nadie»

Todo ello sin perder la esencia flamenca. “La identidad de un cantante flamenco está ahí; mis reflejos cantan flamenco”, asevera Tejada. “Aunque componga para otros géneros o artistas internacionales, en este disco mi sello está siempre presente, tanto en lo musical como en la forma de llevar el cante o el cuplé hacia la flamencura”.

Este repertorio está ya listo para salir a la luz el 10 de abril en plataformas digitales. “También lo publicaremos en formato físico en digipack, pero en lugar de CD usaré USB, porque hay que renovarse: el CD es prácticamente imposible de vender”, explica Tejada. “Así la gente puede escucharlo en el coche o en el ordenador. Incluirá toda la información del disco: músicos, agradecimientos, etc.”.

El mástering de Verso Roto se ha realizado en San Francisco con Óscar Autie, en El Cerrito Records. Han participado guitarristas de gran nivel como Flavio Rodríguez, Antonio de la Luz y José Tomás, así como músicos de la talla de Francis Gómez, David Galeano, Antonio Coronel o Popo. “Hay que cuidar mucho la producción y el concepto”, dice el cantaor. “Yo tenía claro que debía hacerlo con mucho mimo. Estoy muy contento con el resultado; está a la altura de lo que imaginaba y creo que sorprenderá”.

Cuando se le pregunta qué tiene el cuplé para no pasar nunca de moda, Alfredo Tejada no duda en responder: “Creo que el cuplé tiene verdad. Siempre hay una historia detrás, como en la copla andaluza. Hay profundidad, una base sólida y mucha pasión. Es algo emocionante y atemporal; no pasa de moda. Es una esencia que debemos mantener y recuperar, como nos enseñaron grandes como Bambino”.

«Creo que el miedo es pensar que puedes perder tu identidad, pero yo nací con el flamenco. Vengo de una familia que me enseñó que la música es libertad. El artista necesita ser libre y expresarse. Hay que enamorarse del artista, no solo del cantaor. De lo que ofrece, no solo de lo que se le exige»

En este sentido, a la hora de interpretar estas canciones, lo más difícil ha sido, “sobre todo, evitar que sonara reiterativo, no repetir lo ya hecho, sino llevarlo a mi terreno, a cómo lo siento yo. Eso es lo más complicado: hacer algo que ya se ha escuchado y conseguir que suene a ti, marcar la diferencia y tener un sello propio. Hay temas muy versionados, como La pared o Se nos rompió el amor, y ahí la clave es no parecerte a nadie. Esa ha sido la búsqueda principal en este disco”.

Sin embargo, la afición a veces quiere que los cantaores no salgan de ciertos parámetros. ¿Cómo se les convence de hacer otras cosas? “Como lo hicieron otros antes”, responde Tejada. “Cuando algo está bien hecho, hay que disfrutar la música, no sufrirla. Además, tengo en mente un próximo disco que será una antología de cante, así que el aficionado puede estar tranquilo. Creo que el miedo es pensar que puedes perder tu identidad, pero yo nací con el flamenco. Vengo de una familia de músicos que me enseñó que la música es libertad. Hay que hacer lo que uno siente, siempre con respeto, cariño y cuidando lo que se hace. El artista necesita ser libre y expresarse. Hay que enamorarse del artista, no solo del cantaor, de lo que ofrece, no solo de lo que se le exige”.

Por último, cuando se le plantea qué sería un éxito con este disco, responde: “Yo ya estoy satisfecho porque el resultado es el que quería. Hoy en día grabar discos es muy complicado y no siempre se rentabilizan; se hacen por ilusión, por seguir creando y avanzando. La mayor satisfacción es el resultado. Que guste o no, eso ya es algo personal. El mercado está muy cambiante, incluso desorientado. Antes todo estaba más claro; ahora no tanto. Creo que el objetivo de un artista no debe ser llegar a la gran masa, sino buscar, actualizarse, ser vanguardista, pero con un trasfondo cultural y una base sólida. Lo más auténtico es ser uno mismo, con algo que contar y a lo que agarrarse”.

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«Tocado de gracia y con más cuajo que nunca, Antonio Reyes se fajó un repertorio lucido, preñao de sensibilidad y jondura que levantó al respetable las pajarillas de la barriga, haciendo cosquillas con la melaza de sus mecías y endiñando puyitas gordas de caramelo»

La salía con ecos levantinos ya supo a gloria, pero se quebró suavito por los rincones del taranto almeriense y el de Manuel Torre pa coronar la terna echándole avíos y reaños a la cartagenera pidiéndole a la pena: acaba, penita acaba. Siguió gustoso y con empaque en los aires de Antonio Mairena y su soleá apolá, subiendo a la alta montaña o acordándose de Charamusco, paseando con garbo las esquinas trianeras. En los tientos tributó con exquisitez a Lebrija, dedicaos a Juanelo y Antonio Moya, que no quisieron perderse el piñonate del tragaero de Antonio. Los tangos lentitos, como a él le gustan, restándole brío pero echándole azúcar y un fandango engarzao dándose golpes en el pecho con el que abrochó el palo. En la seguiriya jirió. La llevó aligeraíta y bien acompasá, rebuscándose las ducas que lo atormentan, doliéndose hasta encomendarse en el macho a su pare Jesús el de Santa María, removiendo las telillas del izquierdo al gentío. Con la bulería llegó el alivio, derramando compás y algarabía, mirándose en El Pica, Panseco o Juan Villar. Terminó a gusto, regalando cuatro fandangazos, tronando en el de El Gloria y en el de Caracol, con el que echó el cerrojo de una actuación pa el recuerdo. Los segundos tiempos, ya bajo el escenario y entre amigos, no caben aquí, ni se pagan con dinero. Eso ni se cuenta.

Antonio Reyes dio un recital pa enmarcarlo, de esos en los que no se esconde y se entrega, de caricias y uñas jincás. El guitarrón de Joni lo llevó en brazos. Peaso de pareja artística, compenetraos, naturales… flamencos sin parangón.

Ficha artística

Recital de cante de Antonio Reyes
Tertulia Flamenca El Pozo de las Penas, Los Palacios y Villafranca, Sevilla
28 de marzo de 2026
Cante: Antonio Reyes
Guitarra: Joni Jiménez

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El cartel de esta edición reúne a un amplio elenco de artistas, con nombres como El Barullo —junto a Miguel Salado—, Caracolillo de Cádiz con Nono Reyes, El Canana acompañado por Antonio Carrión, Luis ‘El Zambo’ con Domingo Rubichi, o Angelita Montoya junto a José Gálvez. También figuran en la programación Javier Barón, Miguel Ortega, David ‘El Galli’ o Salvi Gutiérrez, además de la clausura, que contará con El Pele, Juanito Villar, Reyes Carrasco y un nutrido cuadro de acompañamiento. A ello se suman conferencias, exposiciones y propuestas como Los flamencos hablan de sí mismos, que amplían el contenido más allá de los recitales.

La XXXVI edición está dedicada al escritor, poeta y flamencólogo José María Velázquez-Gaztelu, figura clave en la difusión y el estudio del arte jondo, cuya trayectoria será objeto de distintas actividades durante la semana. En cuanto al acceso, todas las actividades programadas son de carácter gratuito, salvo el acto de clausura del sábado 18 de abril, cuya entrada tendrá un precio de 10 euros para los no socios, manteniendo así el carácter accesible que ha definido históricamente a esta cita organizada por la Peña Miguel Vargas.

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En la galleta del segundo de los discos está el rótulo «Caña con remate de soleares». Veamos lo que nos encontramos.

Soleares

Que no me quieres,
no digas que no me quieres
que me pones de manera
que hasta de mi Dios reniegue,
compañera de mi alma,
que hasta de mi Dios reniegue.

Estoy bebiendo agua mala
pudiéndola yo beber
de la mejor de Triana,
pudiéndola yo beber
de la mejor de Triana.

Amarillo sale el sol
manifestando las penas
que tiene mi corazón,
manifestando las penas
que tiene mi corazón.

Anda mal fin tengas,
si no me quieres ¿pa qué te encelas? (bis).

En primer lugar, nuestro cantaor interpreta una de las soleares cortas de La Serneta. La copla es la nº 222 de las soleares de tres versos de la Colección de cantes flamenco de Demófilo. El Mochuelo grabó antes ese tipo de soleá con la letra:

Te lo juro por mi mare
que como malita caigas
caldo te doy de mis carnes.

Se trata del mismo estilo que registraron, por ejemplo, Juan Breva (En qué cosa me has metío), Chacón (Ella misma confesó) y, más recientemente, Fernanda de Utrera (Qué quieres de mí).

Le sigue una soleá de cuño trianero –hasta la letra delata tal origen– atribuida a Pinea. Se cantaba mucho a finales del siglo XIX y principios del XX y luego cayó en el olvido, hasta que en los años 60 la puso de nuevo en boga Antonio Mairena. La melodía del primer tercio es muy parecida a la soleá de inicio de Joaquín el de la Paula. Quizás esto refuerce la tesis que sostiene que algunas soleares de Alcalá hunden sus raíces en Triana.

A continuación, el Mochuelo recurre –como en otras grabaciones de soleares anteriores– a un cante en modo mayor, una cantiña que está en el origen de lo que hoy conocemos como soleá de Carapiera y de la que tratamos más extensamente en un artículo anterior. Con ello busca crear una coda análoga a la que se da al cambiar a modo mayor con las cabales, al finalizar una serie de seguiriyas. En la discografía antigua esa copla está grabada también por un estilo de soleá del Mellizo. Otra letra que usaba el Mochuelo para la misma música es:

Ya sale la luna llena,
ya salen los resplandores
de tu carita morena.

La serie la acaba con un juguetillo de alegrías, esto es, también en modo mayor, que recuperaron en 1947 Pepe Pinto, Pastora y Tomás Pavón. Desde entonces es la forma más habitual de cerrar una tanda de soleares. Pese a la sencillez del recurso, fue todo un hallazgo técnico que avisa al guitarrista de que el final es inminente.

Caña con remate de soleares

Que ay
aquel que tengas fatigas (bis)
venga y se arrime
venga y se arrime a mi vera ay
porque estoy constituío (bis)
a que me ahoguen
a que me ahoguen las penas ay.

Consentiste que tu pare
haiga pedío limosna,
que ni con agua del Jordán
esa mancha te se borra,
que ni con agua del Jordán
esa mancha te se borra.

El Mochuelo registra la caña de una forma distinta a como se suele cantar hoy en día, que es la divulgada por Rafael Romero en la Antología del Cante Flamenco, de 1954. Ahí Romero hace la letra A mí me pueden mandar, que, como ya vimos en la entrega anterior, grabó el Mochuelo por jaberas. El cantaor de Andújar la interpretaba con los «ayes» sin ligar y en número de seis, como indica Faustino Núñez en un estupendo artículo. Seguía la reconstrucción concebida para el baile y transcrita en pentagrama por el maestro Monreal, con la ayuda del guitarrista Perico el del Lunar, que es quien toca y asesora en esa antología. Fernando el de Triana, al alabar la afición por la antigua escuela de Perico el del Lunar, decía en su libro de 1935 (Arte y artistas flamencos, Madrid: Ediciones Andaluzas Unidas, 1986, pág. 238):

«… se comprende que Pedro del Valle haya sido el primero que haya llevado a la partitura musical con los más puros compases flamencos, en colaboración con el maestro Monreal, nada más que la dificilísima “Caña del Fillo”, y todo por afán de que no muera lo grande, aunque sea transformado en baile».

No vamos a entrar a valorar la atribución de la caña al Fillo. Primeramente, es muy posible que la caña no sea más que el aflamencamiento –con ajuste al compás de soleá– de una composición culta. Además, tampoco sabemos si se trata del Fillo padre (nacido en San Fernando en 1806) o, más bien y con menor probabilidad, de su hijo, de igual apodo (de El Puerto de Santa María, 1831). De ambos se ocupa Luis Javier Vázquez Morilla en su imprescindible libro Silverio Franconetti y Los Fillos. Un viaje por la historia del flamenco. En un disco que Rafael Romero grabó en Francia en 1959, la caña también viene atribuida a Curro Dulce (nacido en Cádiz en 1823). Ambas filiaciones no son incompatibles en un género tradicional como el cante flamenco cuyas creaciones se basan, casi siempre, en la reelaboración de melodías preexistentes.

En registros anteriores a los de 1954 de Rafael Romero, notamos que la caña se interpretaba con algunas diferencias. Por no ser exhaustivos citamos solo algunos ejemplos de cañas en la discografía de pizarra (las de Romero se registraron en vinilo). Son las grabadas por el Mochuelo, el Tenazas de Morón, Niño de Cabra, Niño de Marchena, Andrés Heredia y Juanito Valderrama. En estos seis cantaores el esquema es el siguiente:

1. Apertura con un «que» ligado a un «ay», al que le siguen la serie de «ayes» típicos de la caña.
2. Exposición del primer verso y su repetición completa.
3. Se canta parte del segundo verso (a veces solamente una sola palabra de él), seguido del verso completo.
4. Para los versos tercero y cuarto se procede igual que en los dos puntos anteriores.

Rafael Romero no la canta así exactamente, pues, tras exponer el primer verso, no lo repite completo sino solo las últimas sílabas, y lo mismo en el tercer verso. Además, en la segunda parte de la caña, introduce los misteriosos versos «Arsa y viva Ronda / reina de los cielos». Según Augusto Butler, fue el gaditano Enrique Ortega el Gordo, íntimo amigo de Silverio, quien hizo el añadido, tomado del macho de un antiguo polo. Esos versos también los canta el linarense Andrés Heredia el Bizco.

Volviendo a los «ayes» (a veces solo «a» o solo «y»), de forma muy sucinta indicamos el número y modo en que lo hacen los cantaores citados, en orden decreciente de antigüedad de la grabación.

• 1954. Rafael Romero, letra A mí me pueden mandar: 6 «ayes» en la primera parte del cante; otros 6 en la segunda. Romero, que fue el gran divulgador de la caña, la registró muchas más veces y siempre siguió el mismo esquema.
• 1949. Juanito Valderrama, letra A mí me pueden mandar: 6 «ayes» en la primera parte del cante; otros 6 en la segunda.
• 1935. Andrés Heredia, letra Lo tengo en el corazón: 4 «ayes»; 3 «ayes».
• 1930. Niño de Marchena, letra El pensamiento me anima: 6 «ayes»; 6 «ayes».
• 1929. Niño de Cabra, letra Yo no te ha obligao, serrana: 3 «ayes», siendo el último más largo; 4 «ayes», con el último más largo.
• 1922. Tenazas de Morón, letra En el querer no hay venganza: 1 «y» largo que junta con un «ay», seguido de 3 «ayes»; ídem en la segunda parte.

Aparte del registro de 1934 que tratamos, el Mochuelo impresionó la caña en otras ocasiones, todas ellas antes que las seis grabaciones citadas. A veces viene anunciada y/o titulada como «polo». Otras letras que el sevillano dejó por cañas son El pensamiento me anima y esta que recopila Lafuente y Alcántara en 1865 (II, pág. 211):

Yo pensé que con el tiempo
mis penas se acabarían,
pero veo que se aumentan
cuantas horas tiene el día.

Siempre interpreta 1 «ay» largo y ligado –salvo quizás alguna brevísima pausa para respirar– al final de los versos segundo y cuarto. En este aspecto, pues, la diferencia respecto a las cañas de los otros cantaores es notable.

De todos modos, no hay que ser demasiado tiquismiquis con el asunto del número de «ayes». Así, el maestro Aurelio Sellés, a la pregunta de Blas Vega sobre qué tipo de caña se cantaba en Cádiz, sentenciaba con visible enfado (José Blas Vega, Conversaciones flamencas con Aurelio de Cádiz, Madrid: Librería Valle, 1978, pág. 84):

«La caña, usté comprenderá que eso no puede ser. o o o o o, o o o o o… Eso no puede ser. Y la gente no sabe más que eso de A mí me pueden mandar…, tor mundo canta la misma. Cuando hay letras preciosas, como ésta:

Pensamiento aónde me llevas

que yo no te pueo seguir

no me metas en parajes

de onde yo no pueda salir.

Y tos empeñaos con lo del rey, el o o o o o… Y viene un día Muñoz Molleda y me dice: “Son cinco, ¿no?”. Y yo con eso no puedo. (…) Yo de jurao he oído una cosa bárbara de tonterías, porque eso de si son cinco o cuatro o o o o o. Porque eso no se le puede aguantar a un cantaor flamenco, porque el cante mientras más corto ha sío, ha sío más gracioso y ha llegao más al alma».

El Mochuelo cierra la caña con una soleá trianera de Ramón el Ollero. La interpreta con una letra muy interesante. Lafuente y Alcántara nos informa de una variante (II, pág. 24):

¡Has dejado que tu padre
ande pidiendo limosna!
Esa mancha no se quita
ni con agua de Colonia.

El tercero de los discos contiene otros dos cantes. En la galleta se puede leer: «Polo con remate de soleares. Antiguo aguinaldo de ánimas de los campanilleros de Sevilla». Comentaremos el primero de ellos en esta entrega y el otro en la siguiente, que será la última.

Polo con remate de soleares

Yo soy el diablo, romera, que
que tú me has venío a tentar, ay ay ay yayyay
no soy el diablo ni el demonio, que
que soy tu mujer natural, ay ay ay yayyay.

Te tengo dao más besos (bis)
y que granos de arena tiene
Sanlúcar, Jerez y el Puerto,
que granos de arena tiene
Sanlúcar, Jerez y el Puerto.

Son bien conocidos los dos tipos de polos flamencos que han llegado hasta nosotros. Uno es el que dio a conocer Jacinto Almadén en la Antología del Cante Flamenco, de 1954 (Carmona tiene una fuente), con un primer verso igual a la rondeña Navegando me perdí, que graba el mismo cantaor en esa colección. El otro es el que escuchamos aquí al Mochuelo. Algunos autores llaman al primero «polo natural» y al segundo «polo de Tobalo», y otros hacen al revés. Pese a que el que inicia con el verso Carmona tiene una fuente mienta en su letra a Tobalo, me inclino a pensar que el del Mochuelo es el de Tobalo. De todos modos, lo que más interesa es la música.

Sea como sea, la grabación del Mochuelo es la más antigua que conozco de ese estilo de polo, dicho con un fragmento del romance del Conde Sol. En 1947 lo grabó con la misma letra Pepe el de la Matrona, para la colección privada del profesor García Matos (editada en 1990), y también en 1969, en su fundamental Tesoros del flamenco antiguo, donde lo atribuye a Tobalo. Pepe Marchena también lo registra en 1963 pero solamente canta los dos últimos versos. Es muy posible que lo aprendiera de su maestro Rafael Pareja. De él se editaron en 2014 unas grabaciones domésticas de la familia Zayas con la guitarra de Manolo de Huelva. Aun así, en Pareja, al igual que en el Mochuelo, el tercer verso es «no soy el diablo ni el demonio», mientras que Matrona y Marchena dicen «no soy el diablo romera».

Hay otro tipo de polo que es muy poco conocido y que merece la pena ser escuchado con atención. Es el registrado por Antonio de Canillas con la misma letra que el Mochuelo –y también tercer verso «no soy diablo ni demonio»– cuyo primer tercio es parecido al de la malagueña del Perote. Lo vincula también así al mundo del fandango, como ocurre con el polo que grabó Almadén, emparentado con la rondeña.

En una entrevista que le hicimos a Canillas mi tío Luis Soler y yo, publicada en 2015, nos contaba que lo aprendió de Pepe Navarro, socio fundador de la Peña Juan Breva.

El Mochuelo termina el polo con una soleá la mar de curiosa. La melodía del principio está a caballo entre la soleá de cierre de Alcalá y la de cierre del Mellizo, con el encabalgamiento típico en la repetición del primer verso que se da en ambos estilos. Finalmente se impone el aire gaditano en la conclusión, donde se apega a las formas de Paquirri el Guanté, como ya me advirtió mi querido amigo y grandísimo cantaor Perico el Pañero.

La letra, muy gaditana, es la mar de interesante. No nos extraña que se hable en ella de las arenas de Sanlúcar y El Puerto, pero sí de Jerez. Y es que en Jerez hubo en tiempos una playa fluvial, situada en el sur de la ciudad, en el lugar donde se juntaban el lago Ligustino –que era la antigua desembocadura del Guadalquivir– y el Guadalete. Allí estaba la ermita de San Telmo, próxima a El Portal, y un puerto desde el que pequeñas embarcaciones podían navegar hasta El Puerto de Santa María y Cádiz. Como recuerdo de este pasado marinero, el Cristo de la Expiración, que se encuentra en la ermita de San Telmo, lleva una red de pescadores.

→ Ver aquí la primera entrega de esta serie de Ramón Soler.

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Lejos de caer en el pesimismo, peñas y cofradías, con la colaboración y la apuesta institucional, se han dado la mano para favorecer la conservación de las tradiciones y aportar un gran grano de arena a la Semana Mayor jerezana, que está declarada como Bien de Interés Turístico Nacional, trabajándose desde hace unos años para que sea considerada como tal pero a nivel internacional.

Por apuntar, el Primer Premio del Concurso Nacional de Saetas de la Peña Buena Gente en su 47ª edición ha ido a parar a Pedro Garrido ‘Niño de la Fragua’, valorado en diez mil euros, cifra récord e histórica en un certamen de este tipo. El Segundo Premio es para Juan de Mairena, mil trescientos euros, aunque la entidad ha informado de su renuncia al mismo, y el Premio Joven va para Manuel Junquera, con quinientos euros. Pedro y Malena Soto (por la renuncia de Juan), premiado y finalista, le cantarán saetas a la Hermandad de los Judíos de San Mateo en la noche del Martes Santo desde el balcón de la Plaza de San Lucas, colegio Salesianos, sobre las 23:30 horas. El resto de finalistas –Elu de Jerez, Tomás Rubichi, Juan Lara y otros nombres como Aroa Cala, Bernardo Rubichi, Abraham El Zambo o Manuel de Cantarote– harán lo propio a otras cofradías durante la semana dentro del ciclo Saeta Flamenca al Paso que organiza la peña.

«El Primer Premio del Concurso Nacional de Saetas de la Peña Buena Gente en su 47ª edición ha ido a parar a Pedro Garrido ‘Niño de la Fragua’, valorado en diez mil euros, cifra récord e histórica en un certamen de este tipo»

El Palacio de San Dionisio, junto a Cayetano del Pino y la Peña Los Cernícalos, presentó el ciclo Saeta al Paso de Misterio, desde el balcón del propio palacio en Plaza de la Asunción, plena presidencia de la Carrera Oficial. Nombres como María José Pérez, Rocío Tornero, Pedro Niño de la Fragua, Manuel de la Fragua, Malena Soto y Alfonso Mijita son los participantes. Cabe matizar que solo se le cantarán saetas a los pasos de misterio, esto es, santas imágenes cristíferas, por el tiempo de cofradía, para que no suponga un problema para los horarios oficiales.

Del mismo modo, las peñas flamencas con su Federación han dado a conocer los detalles del ciclo Venerarte con Saetas, que cumple seis ediciones, comenzando allá por pandemia. Desde el Viernes de Dolores se viene celebrando, llevando el rezo flamenco hasta las pedanías y entidades locales autónomas como Estella del Marqués, donde cantó Iván El Torrán, o la Barca de la Florida, con Sergio Benítez en la tarde del Viernes Santo. Participarán en distintas localizaciones, también a pie de calle, con Macarena de Jerez, Coral de los Reyes, Joaquín El Zambo, Malena Soto, Niño Fragua, Carmen Grilo, Manuel de Cantarote, Malena Soto, Alfonso Mijita, El Berenjeno, El Chanquita…, entre otros.

Añadir, por último, que la Peña La Bulería, además de estar incluida en el ciclo anterior con la representación de Alfonso Mijita, que cantará a la Hermandad de la Yedra en la Madrugada del Viernes Santo, junto a Tomás Rubichi, también ha informado que como cada año el balcón de la entidad de La Plazuela se abrirá para que suenen las saetas de El Almendro y Manuel de la Fragua a la Hermandad del Cristo de la Expiración.

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Como en casi nada en mi vida, no me gustan los alardes y golpes de pecho. La jondura, el pellizco, el sentir tiene que venir de dentro de quien expresa y punzar el alma de quien recibe. La única visión debe ser la de una piel y un vello erizado o la de una lágrima de emoción. En este contexto que os cuento, y ambos presentados por nuestra compañera la periodista Carmen Arjona Pabón, dos flamencos con personalidades diferentes nos han contado su verdad exaltando la saeta. Dos verdades singulares llenas de la realidad del momento que les ha tocado vivir. Visto así podríamos definirlo como verdades compartidas.

José Antonio Castilla llevó a la Tertulia Cultural Flamenca de Las Colonias, del tradicional barrio del mismo nombre de la ciudad de Huelva, su experiencia y su elegancia hecha verbo. Nos habló desde la sapiencia y sabiduría que atesora. Subido en ese púlpito de humanismo desde el que mira la vida. Desde esos sentimientos que afloran tras una larga experiencia como conocedor y amante de lo cofrade, de lo flamenco y de la intimad donde la soledad y el silencio se transforman en verso. Nos llevó a la Huelva de antaño, en la que sus mayores ocupaban la cátedra de la saeta onubense. No en vano, Manuel y Dolores Gómez –Carnicerito de Huelva y Dolores La Pera–, tío abuelo el primero, y abuela paterna la segunda, fueron y son reconocidos cantaores de esta geografía. Nos habló de aquellos que removieron su sentir y nos cogió de la mano para meternos en su particular clepsidra para retrotraernos y devolvernos a vivencias pretéritas y momentos actuales. Recordó a quienes no están con nosotros y fue llamando al cante, ante la mirada de la imagen de la Virgen de los Dolores, a Manuel Ortiz, Trinidad Navarro y Jesús Naranjo, como si de improvisadas saetas en improvisados balcones se tratara. Manuel Ortiz –Manuel de Monte– nos regaló la saeta por martinete y su posterior lamento de engrandecimiento a la madre dolorosa. Trinidad Navarro nos removió por dentro en la variante por siguiriya. Y este que suscribe lo intentó en letras de Moreno Galván y Ortiz Nuevo.

Y caminando en el tiempo y en el espacio, nuestro compañero Kiko Valle subió al atril de la Peña Femenina de Huelva, presidido en esta ocasión por dos obras plásticas del artista onubense Miguel Verdejo:  el Cristo de la Fe y la Virgen de la Caridad, ambos de la Hermandad de la Fe del barrio de Viaplana.

«Definió Kiko Valle a la saeta como ‘esas cinco letras como cinco espadas que conforman el dardo certero y punzante o ese rezo de espeluzno’. El exaltador se aferra al madero de su momento vital, en el que rebusca su fe en la talega de sus recuerdos. Se proclama amante de la saeta cortita y al pecho»

Tomando prestadas palabras de Carmen Arjona, «hay veces que necesitamos que sujeto y predicado nos dejen ver la realidad que nuestra razón nos oculta. El oleo del verbo de Kiko Valle, orador y crítico valiente y osado, apeló a lo flamenco y a sus sentimientos para engarzar su verdad, la verdad del momento que vive, a la realidad de la tribuna donde se encontraba». Definió Kiko a la saeta como «esas cinco letras como cinco espadas que conforman el dardo certero y punzante o ese rezo de espeluzno». El exaltador se aferra al madero de su momento vital, en el que rebusca su fe en la talega de sus recuerdos. Se proclama amante de la saeta cortita y al pecho.

Kiko Valle nos fue desgranando su experiencia entre palabra y tercios cortitos de saetas en su voz, y nos rememoró aquella primera saeta que hiciera pública:  Madre mía de la Amargura / tienes la cara divina. / Es tanta tu hermosura / que no quiebra tu pena / ni el llanto te desfigura.

Me emocionó este utrerano alabando a cantaores de Huelva, como Manuela Sánchez, Eduardo Garrocho, Paco Garrido, Rafael Jurado o Dolores la Pera, y cofradías señeras de esta ciudad, tales como la Esperanza, los judíos, o el Nazareno, entre otras.

Kiko paró el tiempo en cada una de los momentos donde las saeteras en un ambiente íntimo alzaron su voz, describiendo el sudor frío de Cristo, según Trinidad Navarro, alabando a la Virgen en la melodía de Mari Ángeles Cerrejón y Rocío de los Santos, el martinete de Rubén Franco y la enorme saeta de Helga Molina: Que no le pongan claveles / al Cristo de la Fe / Que no le pongan claveles / dentro de su corazón / hechos de sangre los tiene.

Cuando el cante lleva y expresa verdad poco más puede pedirse. Lo mismo ocurre cuando esa verdad, la de cada uno, la de cada cual, sale en forma de palabra para traernos los sentimientos y la visión personal de momentos y realidades íntimas. José Antonio y Kiko, Kiko y José Antonio, engarzaron sus palabras para hacernos crujir por dentro, para convertir la saeta en verso. Para llamar al cante y para que el cante viniera dejando el regusto de vivencias, lamentos y rezos.

Ficha artística
Exaltaciones de la Saeta
José Antonio Castilla y Kiko Valle
Tertulia Cultural Flamenca de las Colonias y Peña Femenina de Huelva
Cuaresma 2026
Cante: Trinidad Navarro, Manuel Ortiz, Jesús Naranjo, Helga Molina, Mari Ángeles Cerrejón, Rocío de los Santos y Rubén Franco

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