Marc Miralta (Barcelona, 1966) es una institución en el mundo del jazz. El baterista, que a sus 60 años ha compartido escenario con leyendas de la talla de Pat Metheny, Wynton Marsalis, Paquito D’Rivera, Tete Montoliu, Art Farmer o Joshua Redman, quiso escribir también su propia página en el mundo de lo jondo hace 25 años con un proyecto, New York Flamenco Reunion, en el que se acompañaba de colegas tan acreditados como Javier Colina, Perico Sambeat, Guillermo McGill o George Colligan. Este jueves 5 de noviembre celebra la efeméride en el Teatro Central de Sevilla, pero antes ha accedido a recordar con ExpoFlamenco cómo fue aquella aventura.
¿Cómo llega el flamenco a la vida de un jazzero como usted?
Curiosamente, empecé a escuchar flamenco de verdad y a emocionarme con él cuando me fui a vivir a Nueva York. Aquí en España lo escuchaba y pensaba que era muy bonito, pero no me llamaba especialmente la atención. Sin embargo, cuando llegué a Nueva York empecé a escuchar mucho flamenco y me fascinó. Me hizo mucha compañía y allí nació mi amor por esta música.
¿Hubo algún artista o algún disco en especial?
Paco de Lucía, Camarón, Vicente Amigo y Gerardo Núñez, básicamente. Después fui profundizando y añadiendo otros artistas. Tomatito también, por supuesto. Te estoy hablando de los años noventa…
Y el proyecto New York Flamenco Reunion. ¿Cómo surgió?
El grupo nació sin ese nombre. Fue Gerardo, del Café Central de Madrid, quien se lo puso unos años más tarde. Todo surgió en un club de Nueva York que ya no existe, el Cornelia Street Café, donde yo vivía entonces. Organizaban un ciclo de jazz mezclado con otras músicas folclóricas: latin jazz, jazz con música colombiana y otras propuestas similares. Ahora parece que cualquiera toca flamenco jazz, pero, como bien sabes, en los noventa apenas había músicos que hicieran esa música: estaban Chano Domínguez, Jorge Pardo, Benavent y poca gente más… Pues bien, el dueño del local me propuso participar en aquel ciclo y mezclar jazz con flamenco. Le dije que no lo hacía, que nunca lo había hecho y que ni siquiera tocaba ese género. No es que no existiera, pero era algo muy nuevo y no resultaba nada habitual.
Meterse en ese terreno tenía algo de temerario, ¿no?
Yo no quería hacer algo que no conocía o con lo que no me sentía cómodo. Pero el hombre insistió tanto que al final acepté: pensé que podía preparar alguna cosa. Ya estaba investigando cómo iban las bulerías, las alegrías, las palmas de la soleá y las de las alegrías. Finalmente hicimos un concierto y a la gente le encantó. No fue un concierto entero de flamenco jazz: interpreté dos o tres temas, mezclados con otras composiciones. Tanto los músicos como el público quedaron entusiasmados. Me decían que tenía que seguir con aquello, que las bulerías con los estándares de jazz eran increíbles y que nadie estaba haciendo algo parecido.
Acabó haciéndoles caso, claro…
Bueno, después me llamó otro músico de Smalls, un club que todavía existe, y me ofreció una noche a la semana para tocar con aquel grupo. Yo pensaba: ¡qué pesados estáis todos con el flamenco jazz! Pero acepté y entonces me senté a preparar un repertorio completo. Hice todos los arreglos y desarrollé el material que acabaría formando parte del disco New York Flamenco Reunion.
«Yo toco jazz, que es una música folclórica. El flamenco también es música folclórica. Al final hablamos de músicas populares. Nosotros somos músicos y lo que hacemos es investigar esas músicas para descubrir sus claves, sus armonías, sus acentos, sus formas de tocar y sus formas de expresión»
El flamenco siempre juega un poco con esa idea de que es algo misterioso. ¿En qué momento un músico se da cuenta de que, aunque posea ese misterio, también es posible acercarse a él con las herramientas adecuadas?
Yo toco jazz, que es una música folclórica; música cubana, que también lo es; música brasileña y tablas hindúes. Y, por supuesto, el flamenco también es música folclórica. Al final hablamos de músicas populares. Nosotros somos músicos y lo que hacemos es investigar esas músicas para descubrir sus claves, sus armonías, sus acentos, sus formas de tocar y sus formas de expresión. Se trata de escuchar, preguntar e investigar. Tuve la suerte de empezar a tocar con Gerardo Núñez y con Carmen Cortés, y de trabajar con muchos músicos flamencos. Así es como se aprende. De la misma manera que me fui a Nueva York y empecé a tocar con músicos de jazz, también aprendí música cubana tocando con Paquito D’Rivera y música brasileña trabajando con músicos de allí. El flamenco tiene misterio y mucho arte, por supuesto, pero para eso estamos los músicos, para descifrarlo.
A veces se dice que para tocar flamenco hay que nacer con ello, que hay que llevarlo en la sangre. ¿Hay mucho mito detrás de esa idea?
Yo siempre digo que cada uno piense lo que quiera. A mí me da igual. Toco música, y unas veces tiene un acento más flamenco, otras más cubano, otras más cercano al jazz tradicional y otras al jazz moderno. Si alguien dice que no toco flamenco o que no sé flamenco, pues vale. Y si otro dice que soy el mejor batería de flamenco, también vale. Hablar es muy fácil y, además, no cuesta dinero. Yo hago música porque me encanta, porque estoy enamorado de ella. Toco lo que me apetece y como me apetece, siempre con un respeto absoluto hacia cada música y cada tradición. Tengo un respeto infinito por todas ellas y lo tendré hasta que me muera. Pero nadie puede impedirme tocar la música que quiera. Cuando empezaba, no había tanto flamenco jazz y venía gente a decirme que aquello no era flamenco. Yo les preguntaba si les había gustado. Me contestaban que sí, que les había encantado. Entonces les decía: «Pues no le pongas nombre». Si ponerle una etiqueta hace que no te guste o que no lo disfrutes porque no es flamenco puro, habría que preguntarse qué significa realmente eso de puro. Nada es puro. Las culturas son de todos, igual que las lenguas y las personas. Somos hermanos. Tenemos una obsesión por dividirnos y pelearnos, en lugar de juntarnos, querernos y disfrutar. La música está para disfrutarla. Si a mí me gusta aprender flamenco, me enriquece musicalmente y hace que mi música sea mejor, voy a hacerlo. A mí se me saltan las lágrimas cuando escucho un disco de Camarón, por ejemplo. Pero también me emociono escuchando a Weather Report y a Wayne Shorter, o cualquier otra música. Soy muy abierto en ese sentido. Lo importante es disfrutar y pasarlo bien.
En aquellos albores del jazz flamenco, en el ámbito de la batería y la percusión, había gente tan distinta como José Antonio Galicia, Luis Dulzaides, Tino di Geraldo o el propio Guillermo McGill. ¿Qué compañeros le interesaron especialmente a usted?
Guillermo y yo teníamos prácticamente la misma edad y estábamos inventando cosas al mismo tiempo. Él tocaba en mi grupo y yo en los suyos. Estábamos allí, experimentando y preguntándonos cómo tocar una bulería con la batería. No pude imitar a nadie, tuve que inventar mi manera de tocar, porque no tenía referencias. Tino Di Geraldo estaba más centrado en la producción y trabajaba mucho con la percusión y la batería. A José Antonio Galicia tampoco llegué a conocerlo bien, y ni siquiera sé si lo había visto tocar. Por supuesto, estaba el ejemplo de La leyenda del tiempo, de Camarón, donde aparecía la batería, pero tuve que desarrollar por mi cuenta cómo tocar una soleá por bulerías, unas alegrías o unos tanguillos. Para mí fue maravilloso partir de no tener referencias e inventarlo todo.
¿Desde cero, o casi?
La referencia principal era la percusión del cajón. Aprendí a tocarlo, estudié sus patrones y las palmas, y después trasladé todo aquello a la batería a mi manera.
La percusión flamenca ha evolucionado muchísimo, desde Rubem Dantas hasta hoy. Se ha convertido en todo un mundo.
Sin duda. Piensa que después de aquellos inicios estuve diez años tocando con Chano Domínguez y con el Piraña. Cuando nosotros empezamos, el Piraña ni siquiera había nacido, probablemente [risas]. Hace muchos años que estamos trabajando en esto. Hoy hay baterías que tocan flamenco de una manera increíble. De hecho, doy clases en el grado superior del Liceu de Barcelona, donde tengo un combo de flamenco. Cada tres meses cambian todos los alumnos y trabajamos diferentes aspectos del género. También tengo otro proyecto en el que toco el vibráfono, que se llama Flamenco Vibes, porque «vibes» hace referencia al vibráfono. Es una formación de flamenco con guitarra española, contrabajo y percusión. Creo que es una propuesta bastante novedosa. No sé si alguien ha tocado antes el vibráfono en el flamenco, probablemente sí, pero no conozco a nadie que lo haya hecho como solista en este contexto. Quizá lo haya, no quiero ponerme medallas. No me quita el sueño. Son cosas que tienen que decir los demás. New York Flamenco Reunion fue principalmente una investigación rítmica. Después empecé a trabajar más en el terreno armónico y melódico. Como también toco el vibráfono, quise investigar esa mezcla y desarrollar el proyecto.
«Las culturas son de todos, igual que las lenguas y las personas. Somos hermanos. Si a mí me gusta aprender flamenco, me enriquece musicalmente y hace que mi música sea mejor, voy a hacerlo. A mí se me saltan las lágrimas cuando escucho un disco de Camarón, por ejemplo. Pero también me emociono escuchando a Weather Report y a Wayne Shorter»
Entre los músicos flamencos con los que ha tocado están Chano, Gerardo Núñez, Israel Galván y Jorge Pardo. ¿Guarda algún recuerdo especialmente enriquecedor de alguna de esas colaboraciones? ¿Hubo alguien que le abriera una puerta nueva o que resultara especialmente estimulante?
Con Gerardo y con Carmen la relación acabó convirtiéndose también en una relación personal. Vamos a su casa, ellos vienen a la nuestra y nuestras familias tienen una relación muy cercana. Mis hijas son como sobrinas de Carmen. Con Gerardo, imagínate todo lo que se puede aprender. Tanto él como Carmen saben muchísimo y aprendimos mucho a su lado. Allí se grabaron un par de discos, precisamente en el Teatro Central de Sevilla: Cruce de caminos y Pasajes. Son discos que están muy bien. También he aprendido muchísimo con Jorge Pardo y Carles Benavent. En realidad, aprendo de todo el mundo. No soy especialmente mitómano, en el sentido de preguntarme cuál es el mejor batería o quién es el músico más importante. Vivo, disfruto y aprendo cada momento. Y sigo adelante, con todo lo que me queda por aprender.
Después de haber tocado con tanta gente, imagino que uno ya fantasea menos con la posibilidad de tocar con determinados músicos.
Para mí, el sueño es poder seguir tocando, seguir disfrutando y compartiendo música con buenos músicos y con el público. Hoy en día, la verdadera fantasía es poder vivir de lo que a uno le gusta, seguir teniendo gente que paga su entrada y llena los teatros. He grabado tres discos allí, uno con Grant Stewart Trio y Mark Barnett, y todo lo que he vivido ha sido maravilloso. Valoro todo lo que me ha pasado, no solamente las experiencias con los músicos más conocidos. Hay gente que no tiene tanto nombre y que es increíble. La experiencia de tocar con ellos puede ser tan enriquecedora como hacerlo con músicos de gran trayectoria. También disfruto tocando con Seamus Blake, Maxi Serra o con otros músicos de aquí, como Chay Maestro. Cada uno aporta su personalidad y su creatividad.
Cuando hablamos de aquellos años en los que el flamenco y el jazz empezaban a encontrarse y estaba todo por inventar, ¿podemos decir que ahora está todo inventado o siempre queda algún paso más que dar en esos encuentros entre músicas?
Yo creo que esto no se acaba nunca. Cada músico tiene su personalidad y su forma de ser, y un mismo tema interpretado por una persona o por otra siempre resulta diferente. La música es ilimitada. Cada uno tiene ese gusanillo de pensar en otro disco, en otra propuesta, en hacer algo diferente. Siempre estás dándole vueltas a nuevas posibilidades. La música está viva y así tiene que ser. El jazz es una música muy viva y el flamenco también. En realidad, cualquier música está en movimiento. Hay propuestas más pop y otras de distintos estilos, pero todas van construyendo sus propios caminos, historias y mezclas. Mientras haya vida, habrá movimiento. Hay muchísimos caminos por recorrer.
Por sus palabras se entiende que es usted un músico que disfruta mucho del proceso, que no pone todo el interés en el resultado, sino que encuentra placer en el propio camino.
Por supuesto. El camino es lo mejor, es increíble. Para mí, el resultado final es como cuando haces una excursión, subes a una montaña y te haces una foto al llegar arriba. Después vas a otra montaña y haces lo mismo. Pero, entre una y otra, has estado caminando, descubriendo otros lugares, aprendiendo, viviendo, compartiendo, disfrutando y también sufriendo. Para mí, los discos y los proyectos son fotografías de un momento, pero todo lo que hay antes es igual de importante. El proceso es fundamental. Cada día, estar en casa trabajando, estudiando, escuchando e investigando es maravilloso. Imagínate qué suerte tengo: me levanto por la mañana, cuando no tengo concierto, y puedo dedicarme a investigar, estudiar y aprender. Y, además, eso me da de comer a mí y a mi familia. Piensa en lo que tiene que hacer mucha gente para ganarse la vida. Yo puedo dedicarme a esto y vivir de ello. Es maravilloso. Cuando te haces mayor te das cuenta de estas cosas y te vuelves más agradecido. Empiezas a distinguir realmente lo que es importante de lo que no lo es.
Para terminar, con la perspectiva de estos veinticinco años, hay algún arrepentimiento sobre lo que se hizo con New York Flamenco Reunion. ¿Hay algo que no hubiera hecho hoy?
Lo más increíble de New York Flamenco Reunion es que, aunque suene un poco extraño decirlo, yo nunca pensé en hacerlo. Fue como si el mundo me llevara hasta allí. Los acontecimientos fueron sucediendo para que el proyecto saliera adelante, pero nunca lo busqué. Todo fue completamente accidental. El dueño del club me propuso hacerlo; después Javier Colina vino a Nueva York, tocó con el grupo y dijo: «Esto tenemos que llevarlo a España». Lo llevamos al Café Central y allí Gerardo, el responsable del local, inventó el nombre. Más tarde, Javier me propuso grabarlo porque tenía una amiga que disponía de un estudio. Fuimos, grabamos una maqueta y aquella maqueta acabó convirtiéndose en el disco. Cuando lo escuché pensé: ¡esto es mucho más que una maqueta! Pero yo no había buscado el estudio, ni había buscado formar el grupo, ni había planeado nada de aquello. Simplemente fue sucediendo. Después lo vendimos, pasó todo lo que pasó y resultó ser un disco de referencia. Para mí es precioso que algo así suceda sin haberlo buscado. Es como si determinadas energías te fueran empujando y diciendo: «Venga, haz esto, hazlo». Y tú, al principio, te resistes, pero al final acabas haciéndolo. Así que imagínate si voy a arrepentirme de algo. Al contrario: ha sido increíble, mágico. ♦
